una reflexión

“…La abundancia procede por acumulación, no por selección o supresión ¿Por qué no contar con teatros inútiles para conciertos innecesarios, a los cuales asistiríamos?”

John Cage, “Segunda conversación”, Para los pájaros, México: ALIAS, 2007, p. 113.

*Otra de John Cage aquí.

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otro Kun y no agüero

La audiotopía articula “los espacios sonoros de anhelos utópicos idóneos donde diversos lugares comúnmente catalogados como incompatibles se encuentran, no solo en el espacio de  una pieza en particular, sino en la producción de espacio social y el mapeo de espacio geográfico que la música hace también posible. Por lo tanto, leer y escuchar audiotopias (por medio del análisis) tiene una doble función: poner atención en el espacio de la música en sí y los diferentes espacios e identidades que se yuxtaponen dentro de sí, y hacer hincapié en los espacios sociales, geografías, e identidades que la música puede habilitar, reflejar, y profetizar. En ambos casos, la audiotopia es el espacio musical de la diferencia, donde las contradicciones y conflictos no se anulan entre ellos sino coexisten y sobreviven mutuamente.”

Josh Kun, Audiotopia: Music, race and America, Berkeley: UCP, 2005, p. 23. 

*La música que acompañó este post fue la Sinfonía No. 1 op. 112 "O imprevisto" del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos.

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que no le den gato por liebre

Al parecer la retórica barata de éstas elecciones en México no es un mal endémico, sino ha estado arraigada desde antaño en los organismos que controlan el poder (y el billete). En el ambiente cultural-musical, el día de ayer, se le respondió a la joven Emily White en una larga carta por parte de David Lowery en el blog The Trichordist, ya que ella aceptó que sólo a comprado 15 CD’s de las más de 11,000 canciones con las que cuenta su discoteca.

El señor Lowery dice que no apoyamos a los artistas al no pagar por escuchar su música. Si bien esto parece tener mucha lógica, el argumento de éste, al señalar que por medio de la venta de discos es la mejor manera de apoyarlos y se solventan los gastos de los artistas, es una falacia. La industria discográfica generalmente tiene tratos de 10-90, todo incluido: promoción, giras, comerciales, prensa. Si bien con apenas $18 USD ($252 MXN) uno se puede comprar sus discos, el costo real del disco es de apenas $0.7 USD ($10 MXN). Además de que ya hace tiempo que no salen discos buenos.

Si tanto llora porque se suicidaron sus amigos porque las ventas de sus discos bajaron, ¿por qué no se queja con los sellos con los que firmaron y les exige que les paguen a los artistas un seguro médico que incluya atención mental y psicológica?

Además Lowery dice que las giras y presentaciones anteriormente se daban por hecho que no se recuperaría la inversión, argumentando que hay más ganancia por medio de la venta de discos, y además se contradice al preguntar “¿Por qué le damos valor a la red y al hardware que entrega la música pero no a la música misma?” Estimado señor Lowery el disco es también un medio que entrega la música, y no la música misma.

Apoyemos a nuestros artistas pagándoles por su trabajo, es decir, ir a las salas de concierto, a las arenas, a los salones, al fandango. El disco sólo les conviene a la industria discográfica y a Lady Gaga, Metallica, Adele, Justin Bieber y Lang Lang.

Y también se lo digo en inglés para que me entienda señor Lowery:

It happens to be that cheap rhetoric of this (Mexico) Presidential elections is not an endemic evil, it has been there since earlier times in the organizations that control power (and money). In the cultural-musical sphere, yesterday, Emily White was answered in a large letter by David Lowery on The Trichordist blog, because she accepted that only has bought 15 CD’s of 11,000 songs those she posses in her music library.

Mr. Lowery says that we do not support the artists if we don’t pay for hearing their music. Even though this seems to have lots of logic, his argument pointing that through record sales is the better way to support an artist and cover expenses, is a fallacy. The record industry generally has 10-90 deals, all inclusive: promotions, tours, ads, press. Even though with only $18 USD onee can buy records, the real cost of it is only $0.7 USD. Nevertheless, it was so long ago that a good record was made.

If he keeps crying for his friends that took their lives, why do you not complain with the record companies that contracted them and obligate them to pay a medical health insurance that includes mental and psychological treatment for the artists?

Also Lowery says that in old times tours and concerts were not for gaining money, they knew that the inversion would not be back, holding that there is more revenue through record sales, but also he goes backwards asking “Why do we value the network and hardware that delivers music but not the music itself?” Mr. Lowery the record is also a deliverer not the music itself.

Lets support our artist paying them for their job, that says, attending the concert hall, the arena, the salon, the fandango. The record is only convenient for the record industry and Lady Gaga, Metallica, Adele, Justin Bieber and Lang Lang.

*No crean en lo que digo y consulten la carta aquí.

*Para más información sobre la industria discográfica aquí.

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marsias va a xicoténcatl a venerar a xochipilli

El XXXIV FIMME 2012 sigue su curso. El foro sigue apostando a la calidad y la Partita para percusión de Armando Luna se llevó el primer concierto del martes a cargo del ensamble Baquetofonía. A su vez, la flautista de pico Mónica López Lau, en el segundo concierto, se llevó la noche con Nidi II del compositor italiano Franco Donatoni y el Außer Atem de Moritz Eggert (la foto del principio fue tomada interpretando esta pieza).

Dentro del foro participará eighth blackbird, agrupación de cámara dedicada exclusivamente a la música contemporánea, el viernes 22 de junio en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes. Un concierto indispensable.

*Más del XXXIV FIMME 2012 aquí.

*El título de este post  no tiene intenciones de sátira o ironía, hace alusión al aulos de las flautas que tocaban los faunos en la mitología grecolatina, así como a las flautas dobles que se interpretaron desde tiempos remotos, incluidos los griegos y los mayas.

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Peter Brook, la ópera y Salvador Dalí

“Alguien a quien conocía bien, que había sido tenor en su juventud, me dio un consejo esencial que me sostuvo durante mi corta carrera operística. “Adula”, me dijo. “Tú adula continuamente, adula sin rubor; nunca te preguntes si te estás excediendo, porque eso no es posible, tú sigue adulando.” Aprendí muchas otras lecciones importante; no sólo cómo practicar las sutiles técnicas de diplomacia que había observado en Binkie Beaumont, sino también cuándo gritar, cuándo amenazar… en fin, todo el repertorio de papeles que tiene que interpretar un director de ópera.

Durante uno de mis ensayos oí por casualidad a dos famosas sopranos alemanas que cuchicheaban juntas al otro lado de un fragmento de escenografía. “Ésta es nuestra primera temporada en Londres, Así que vamos a hacer lo que pide. Luego ya podremos imponer.” En aquel caso, les gané por la mano, comportándome en el ensayo como un fascista irritado, y por supuesto quedaron muy impresionadas.

Afortunadamente, aquellas lecciones sólo se aplicaban en el histérico mundo de la ópera. Desde entonces, siempre he encontrado que en el resto del teatro ninguna táctica violenta o agresiva tiene ni la más remota posibilidad de producir buen resultado alguno. En las pocas ocasiones en que he perdido los nervios, o me he metido con alguien, o he reducido a un actor al llanto, lo he lamentado profundamente. Una actriz francesa me habló una vez de un director que comía sándwiches haciendo ruido y luego estrujaba la bolsa de papel durante las escenas de ella, sólo para crear un clima de irritación tal que pudiera estallar algo inesperado a partir de los nervios crispados. Puede que ese método le funcionara a él, pero en mi experiencia la tensión y la fricción en el ensayo no ayudan a nadie; sólo la calma, la serenidad y una gran confianza pueden producir el más delicado destello de la creatividad.

En el Covent Garden, lejos de la necesidad y la desesperación, por primera vez me vi interesándome por la formación. Hice experimentos con los principales cantantes, pero pronto vi que no había nada que yo pudiese hacer para mejor sus lamentables esfuerzos por interpretar. Un tenor con el que trabajé había sido policía, y lo único que alcanzaba a hacer era subir y bajar los brazos rígidamente como si estuviera dirigiendo el tráfico. Probé incluso a colgarme de ellos con las dos manos, tan sólo para descubrir que estaban total e inseparablemente fijados en su cerebro al esquema de la partitura. Si la frase musical subía, el brazo rígidamente extendido iba proporcionalmente hacia arriba, y nada podía controlar su movimiento. En aquel caso, acepté la derrota y volví mi atención al coro. Todos los domingos por la mañana dirigía sesiones en el largo y estrecho bar de detrás de la Platea, una hora para los hombre, otra para las mujeres. Los hombres eran en su mayoría mineros de Gales, que formaban grupos malhumorados, como si estuvieran en un mitin del sindicato en la bocamina, respondiendo de mala gana a mis instrucciones de correr, caer al suelo, luego ponerse en pie de un salto, en actitudes que pudieran expresar placer o temor. Las damas, no obstante, eran muy entusiastas; venían con sombreros con velitos, decorados con flores de papel o bamboleantes racimos de cerezas. Escuchaban con ilusión cuando yo explicaba: “Son todas esclavas de un antiguo harén egipcio”, y las cerezas se meneaban con deleite.

La confusión que yo había traído a la Royal Opera House estaba empezando a resultar excesiva para la siempre ansiosa administración. Mi montaje de Salomé fue la gota que colma el vaso. Yo no tuve intención de provocar, pero sí seguí una línea de razonamiento que era exactamente la misma que es hoy: si la imagen del escenario es fea o inadecuada, distrae de la música; si está claramente en sintonía con la música, entonces uno puede escuchar totalmente prendido. Inexplicablemente, a los amante de la ópera no parece distraerles la fealdad, sólo lo que no les es familiar. De un modo todavía más extraño, muchos de los mismos espectadores que son muy sofisticados en su enjuiciamiento visual del ballet permiten que a su sensibilidad se le pongan anteojeras cuando van a la ópera. Yo había visto las escenificaciones convencionales de Salomé en lo que se llamaba un decorado realista con columnatas y un ancho pozo, que reconstruía la antigüedad del mismo modo que lo habían hecho los panoramas de Henry Irving para Shakespeare en el siglo pasado, y estaba absolutamente seguro de que las extrañas imágenes de Wilde caladas en la densamente erótica partitura de Strauss no se podían banalizar de aquel modo, y sentí que la pintura del escenario necesitaba ser tan atrevida e imaginativa e incluso tan complicada como la música. Ningún artista vivo parecía mejor equipado para aquello que Salvador Dalí. Yo había visto algunos de los dibujos de Dalí para el ballet, y claramente tenía la libertad, la decadencia, el sentido obsesivo de lo erótico y la imprevisible fantasía que corresponderían perfectamente a aquella empresa. De hecho, lo que inventó para Salomé fue totalmente pasmoso, pero no llegó al escenario sino en una forma muy diluida. Cuando entregué los dibujos de Dalí, el director de orquesta y el equipo musical, más los departamentos de producción y guardarropía, estaban todos ofendidos por sus visiones iconoclastas, y Dalí se negó a venir personalmente a pelear in situ. Desesperados telegramas dirigidos a él no cosecharon más resultado que un mensaje aconsejándome que me procurara un rinoceronte para ponerlo en su lugar. No pude abandonar los ensayo ni un momento, porque las relaciones con el director de orquesta se habían deteriorado de tal modo que tan sólo me hablaba por mediación de un ayudante. Gradualmente todos los departamentos fueros recortando sucesivamente las audacias de Dalí, hasta que los ofensivos trajes se volvieron normales y se domesticaron sus fantásticas arquitecturas. La noche del estreno me sacaron del escenario entre abucheos por un escándalo que ni siquiera fue tal, y al día siguiente estaba de patitas en la calle.”

Peter Brook, Hilos de tiempo, Madrid: Siruela, 2003, pp. 77-80.

*Otra de Peter Brook.

*Hilos de tiempo fue comprado en la librería Coyoacán en la Ciudad de México.

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el legado de Manuel

Hoy dio comienzo, a la par de manifestaciones a favor del voto consciente por parte de #YoSoy132, el 34 Foro Internacional de MúsicaNueva Manuel Enríquez 2012 en el Palacio de Bellas Artes. (Sus demás sedes serán la sala Xochipilli de la Escuela Nacional de Música, el auditorio Blas Galindo del CNA, el Conservatorio Nacional de Música así cómo presentaciones en los estados de Jalisco, Hidalgo y Puebla.)

Dos cosas llamaron la atención, la riqueza y calidad de la programación. Joaquín Gutiérrez Heras y Elliot Carter recibirán 2 conciertos monográficos. 64 compositores mexicanos y 62 compositores extranjeros demuestran que se pueden proponer conciertos más interesantes sin demeritar la asistencia,  ya que el día de hoy sólo quedaban unos cuantos asientos vacíos. Las músicas de Trigos, Vidales, Santillán y Lee tuvieron una excelente ejecución por parte de la OSN y José Luis Castillo; y aunque el Concierto para cuatro guitarra y orquesta de Juan Trigos sufrió por parte del balance, no cabe duda que el folklor abstracto no deja de sorprenderme.

Aunque hay algo que no deja de intrigar: no hay ningúna pieza de Conlon Nancarrow en la programación; y la promoción del Festival es casi nula por parte de Bellas Artes. Ningún periódico nacional anunció su inicio sólo queda esperar para mañana para la contracrónica.

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los niños y los adultos aprehendemos con el ejemplo

El video de arriba muestra cómo la semana pasada el colectivo Artistas Aliados defendió, ante #YoSoy132, su calidad de artista y no de mero entretenedor y amenizador de comidas. Es un buen ejemplo de que es la propia música la que debe primero poner el ejemplo y cambiar de enfoque para abrir los canales de comunicación y transmisión hacia las nuevas músicas, las antiguas, las diferentes; y no las impuestas por monopolios culturales como SONY, Universal y Warner (todas ellas mercadeadas en México por Televisa y grupo PRISA); ni la programación de risa, ni la oferta barata que ofrecen orquestas e instituciones culturales (con sus excepciones como el Festival Manuel Enríquez) como las del INBA, la UNAM, y la Secretaría de Cultura de los GDF.

Como músicos y artistas debemos poner el ejemplo y exigir a nuestras instituciones, que sobreviven gracias a nuestros impuestos, que abran sus canales de comunicación, así como la apertura a nuevas músicas tanto olvidadas como las que se salen fuera del canon. Además es importante que la radio pública (que es toda) amplíe su oferta, dando 30% de sus contenidos musicales a músicas que no son comercializadas por medio de SONY, Universal o Warner.

#YoSoy132 está también poniendo el ejemplo, haciendo democracia, para después exigirla, así como luchando en contra de la ignorancia, la imposición y la desinformación.

Otras maneras de poner el ejemplo y quedarse callado.

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pura coincidencia

Hace unos días falleció el escritor mexicano Carlos Fuentes. Entre sus novelas figuran Aura, La región más transparente, La muerte de Artemio Cruz. Hasta ahora sólo conozco que la primera fue llevada a escena en forma de ópera (con título homónimo), con música del compositor Mario Lavista.

Otro hombre de letras, pero de las vocalizadas, el barítono alemán Dietrich Fischer-Dieskau, falleció también esta semana. Creo que toda una época termina, mientras otra hace tiempo que comenzó.

*Desafortumadamente no he podido mostrar ningún fragmento de la ópera, así que consigan el CD, y exijamos que se programe en nuestras salas de conciertos.

*Las cenizas de Carlos Fuentes se depositaron en el Cementerio de Montparnasse en París, dónde también están los restos de Julio Cortázar y Porfirio Díaz.

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trazos geométricos

 “Ya se me ha pasado. Es lo siguiente: la disonancia me resulta armoniosa. La melodía a veces me cansa. Y también el llamado “leit-motiv”. Quiero en la música y en lo que te escribo y en lo que pinto, quiero trazos geométricos que se crucen en el aire y formen una desarmonía que yo entiendo. Es puro it…”

Clarice Lispector, Agua viva, Madrid: Siruela, 2008, p. 70.

Trazos geométricos que se cruzan en el aire:

Más sobre Clarice aquí.

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y conlon?

En estos tiempos tan dudosos y austeros salirse de la zona de confort y habilitar territorios sonoros nos lleva a homenajear a compositores una vez que ya mueren o a 100 años de que hallan nacido.


Este es el caso de John Cage más no el de Conlon Nancarrow. Ya lo dijo Alex Ross: ¿porqué Kyle Gann (el especialista en Nancarrow a nivel mundial) tiene que irse a Londres a hablar sobre el compositor mexico-americano? ¿Dónde están los homenajes en Estados Unidos?


También añadiría ¿dónde quedaron los homenajes en México? Sólo nos queda la esperanza.


El FIC 2012 acaba de anunciar parte de su programación y no se homenajeará a Nancarrow en ésta.


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mejor que lo diga Lagston

“La música en tu radio ahora es cubana. Su percusión son los bongos de África, pero la orquesta que toca es estadounidense. Los ritmos viajan a través del mundo, adoptados y moldeados por otros países, mezclándose con otros ritmos, y creando nuevos ritmos mientras viajan.”

Lagston Hughes en Josh Kun, “I, Too, Sing América”, Audiotopia: music, race and America, Berkeley: University of California Press, 2005, p. 179.

Es la mejor descripción que encontré para el concierto del domingo pasado que, a pesar de un América-Cruz-Azul, y un mitin político del PRI en el Audotorio Nacional, presento un lleno total. Hespèrion XXI, La Capella Reial de Catalunya, Tembembe Ensamble Continuo y Jordi Savall, nos llevaron de la mano a través de diversas geografías sonoras, tan diferentes pero tan inseparables.

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érase una vez...

“... un hombre (blanco) que descubrió las leyes de la acústica y cimento las reglas universales de la música, basadas en la naturaleza de las cosas. De esta manera, la música, habiendo alcanzado su verdad, la culminación de errores y experimentos anteriores, finalmente se realizó en su pureza. El hombre era una combinación de Pitágoras, Rameau, Hanslick y Théodore Dubois.” 

Jean Molino, “El hecho musical y la semiología de la música”, Reflexiones sobre semiología musical, Gonzalo Camacho y Susana González (coor.), México: ENM-UNAM, 2011, p. 116

Músicas sin leyes ni naturaleza:

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solo es cuestión de enfoque

“La presente crisis académica, social y presupuestal global es precisamente uno de los momentos en que la musicología y sus instituciones necesitan reinventarse. Sin embargo, esta reinvención no puede ceder ante los modelos utilitarios que pretenden definir a las humanidades desde fuera; debe ser una transformación que identifique y critique los modelos ideológicos que la musicología ha ayudado a reproducir.

Como musicólogos recibimos un entrenamiento que en muchos casos sigue privilegiando textos y valor estético. Aprendemos a analizar estructuras de organización sonora, a decodificar antiguas formas de escritura y notación, a rastrear pistas en bosquejos musicales y a encontrar patrones musicales estilísticos en un intento por entender el supuesto significado unívoco de la música. Este tipo de trabajo lo que hace es validar criterios estéticos y cánones musicales en lugar de cuestionar cómo estos son construidos y lo que significan para aquellos que luchan por mantenerlos o por deshacerse de ellos. Estas perspectivas privilegian el documento o el texto como recipientes de valor, ignorando las muchas formas sociales y culturales en que la música adquiere significado de manera dialógica. Este tipo de acercamiento no nos permite explorar los motivos por los cuales nos sentimos tan cercanos a la música y que, en mi opinión, son los que la hacen relevante como una entrada para entender prácticas culturales.”

Dr. Alejandro Madrid en el discurso inaugural del Premio de Musicología Casa de las Américas 2012, celebrado este mes en La Habana, Cuba.

La preocupación por la música que nos signifique ha sido un tema recurrente en este blog. El Dr. Madrid dice que, incluso, el contenido dentro de la música es de las cosas menos importantes, es sólo la significación que le damos (y no la que le han dado), la que permitirá a las músicas reinventarse y sacarla del hoyo al que nunca debió entrar (esto último, lo del hoyo mediático del monstruo asiático, el niño prodigio, y el violinista carita, es opinión mía y no de Madrid). Dejemos a un lado mi opinión y dejemos concluir al musicólogo:

“Una de las características más significativas de la música es que todos creamos conexiones muy personales y emocionales con ella; todos tenemos el derecho de reclamar como nuestra la música que nos mueve. De esa manera, la música tiene un papel muy poderoso en la construcción de circuitos y redes identitarias, en el desarrollo de sentidos de distinción y en la acumulación de capital cultural. Sin embargo, la musicología disciplinar no ofrece el marco para explorar lo que pasa cuando la música sucede. Solo un enfoque multidisciplinar nos permitirá escapar de las trampas disciplinares de la musicología para dejarnos formular otras preguntas.”

*Para leer el artículo completo aquí.

*Más sobre necesidad de reinvención aquí.

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las apariencias engañan

Parece que no soy el único que se indigna cuando a un compositor se le conoce por una sola de sus obras y sólo se toca ya que murió; y que ve que la igualdad de género en la música de concierto no se va a lograr programando a todas las compositoras en un solo programa.

Hay que buscar alternativas más atrevidas.

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in memoriam Joaquín...

El compositor poblano Joaquín Gutiérrez Heras murió ayer, descanse en paz:

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música para la comunidad

"El problema en estos tiempos no es el de restringir la música clásica a una sola audiencia. Al contrario, es una cuestión de hacer el asistir a un concierto una experiencia necesaria y consecuentemente una actividad social que es esencial para una comunidad en su conjunto. Esto no puede ser logrado popularizando la música clásica de una manera ingenua. Esto no puede ser logrado adaptando la música clásica a las necesidades de su audiencia. Esto no puede ser logrado tampoco limitando la música clásica a las expectativas de una élite. 

Tal papel para la música clásica solo puede ser creado en la base de una nueva audiencia que tenga la intención de servir a todos esos miembros de una comunidad que vean a la música clásica como una posibilidad de renovarse ellos mismos."

Bob Shingleton cambiando teatro por música clásica en una cita de Peter Brook. Todo parece indicar que tenemos que ir a buscar la música, al igual que el teatro, la danza, y demás artes escénicas.

Para leer el original en inglés aquí.
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pensamiento colectivo

La perdida de público en la música clásica ha sido el pan de cada día de los últimos años; la mentalidad cerrada y elitista por parte de algunos de sus involucrados impiden el acceso a nuevos públicos.

El director artístico Jorge Ballina dio una cátedra de cómo acercar la música (y la ópera) al público de hoy, que es más visual que sonoro. En  la ópera Muerte en Venecia del compositor inglés Benjamin Britten (1913-1977), que se presentó en el Palacio de Bellas Artes las 2 semanas pasadas, el manejo de la escenografía resalto y amplió los momentos dramáticos y estéticos de cada escena, lo que hacía que una proyección de Star Wars: Episodio I en 3D quedará muy por detrás.

Los músicos deberíamos de aprender de Ballina y empezar pensar de manera colectiva, para generar el diálogo entre escenógrafos, bailarines, coreógrafos, actores, compositores, cantantes, directores de orquesta y músicos; lo cual dará un respiro frente al fenómeno del monstruo chino, el niño virtuoso, o el director de orquesta carita, y regresará al público a dónde nunca debieron de haber salido: de las salas de concierto.

*El costo del boleto de un asiento Anfiteatro-B en Bellas Artes fue de $125. Peter Pears dio un recital en 1967 en Bellas Artes, el pianista acompañante era Benjamin Britten:

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por ese espacio de silencio

 “(…). Hay que parar de vez en cuando las máquinas, sentarse a no hacer nada y desde ahí pensar, sin pantallas alrededor, qué hacemos con la vida y con la crisis. Hay que generar ese espacio de silencio, de disponibilidad frente a la existencia, que más pronto que tarde será llenado por una idea genial.”

Hace casi 100 años nació el que nos dijera que es hora de guardar silencio y prestar atención:

Hace 100 años también, nació el compositor que dejamos en el silencio y emprendió la idea genial de Henry Cowell de poner a sonar a la vez varias voces a diferentes velocidades (polifonía en estratos de tiempos distintos), que se concretizaron en sus estudios para pianola, todos gestados en su estudio del barrio de Las Águilas en la Ciudad de México:

*John Cage y Conlon Nancarrow se encontraron en México en 1974. Ambos representan a 2 grandes escuelas de la música mexicana de concierto: la de Mario Lavista y Julio Estrada respectivamente.

*Muchos alegan que Nancarrow no fue mexicano, pero éste murió con pasaporte mexicano, se le retiró la ciudadanía estadounidense y nunca más viajó a su país natal como ciudadano americano. Además de que Conlon sufrió esa soledad y abandono que Octavio Paz asignó al mexicano, sea nacido o adoptado.

*La cita del inició es del escritor español Jordi Soler, lea el artículo completo aquí. Más sobre Julio Estrada y Silvestre Revueltas aquí.

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